Exposición en el Museo de Arte Abstracto Español Cuenca. A través de una cuidadosa selección de fotografías en blanco y negro, esta muestra profundo en los albores de la carrera artística de Cristóbal Hara (Madrid, 1946; Premio Nacional de Fotografía, 2022). A los veintidós años, mientras estudiaba Administración de Empresas en Alemania, el joven Hara descubrió en España el trabajo del célebre Henri Cartier-Bresson. Este hallazgo encendió en él una pasión irrefrenable que lo llevó a dedicarse por completo a la fotografía, con Cuenca como uno de los escenarios más significativos de su vida.

En esos inicios, Hara se sumergió en una etapa marcada por el asombro, la aventura y la experimentación. Como él mismo reflexiona, fue un período en el que “aprendió a fotografiar”, recorriendo las calles de Cuenca y capturando instantes cotidianos, incluso durante su servicio militar. Sus pasos lo llevaron a destinos tan diversos como Yugoslavia, Londres y otras ciudades de España, ampliando su visión y técnica en cada viaje.

La sala de fotografía de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando expone una colección del fotógrafo Oriol Maspons. En la obra de Maspons, conviven con toda naturalidad dos mundos bien distintos, el amable y mundano con el surrealista y denunciable. Maspons trabajó siempre de una manera intuitiva, alejado de toda disciplina estética, mostrando siempre los aspectos más disonantes de la realidad.

El final de la Guerra Civil, en abril de 1939, no trajo la paz sino la imposición de la Victoria. Empezó entonces otra forma de guerra, en otros frentes y con otras armas. Primero, la dictadura persiguió sin piedad a las personas sospechosas de haber apoyado la causa republicana. Después, reprimió con la mayor dureza las sucesivas formas de contestación. Se trataba de extirpar las raíces de la democracia. Por ello, la violencia formó parte de la médula espinal del franquismo durante sus cuarenta años de duración.

La exposición que se encuentra en Museo Nacional de Arte de Catalunya en Barcelona, se fundamenta en la investigación desarrollada por el Institut Català de Recerca en Patrimoni Cultural, centrada en analizar el impacto de la Guerra Civil en la formación de las colecciones actuales de los museos catalanes (proyecto IGUEMUS, PID 2021-124518NB-I00). Más allá de su enfoque patrimonial, la muestra se enmarca en una imprescindible política de memoria y transparencia en el ámbito del patrimonio cultural. Constituye, además, un profundo ejercicio de investigación en curso, cuya proyección se materializará en la futura ampliación del Museo.

El Centro Niemeyer de Avilés (Asturias) alberga la exposición Agua, del prestigioso fotógrafo canadiense Edward Burtynsky, figura clave de la fotografía contemporánea a escala global. La muestra, comisariada por Enrica Viganò, presenta una cuidada selección de imágenes que indagan en la compleja y multifacética relación entre la humanidad y uno de los recursos más vitales del planeta: el agua.

Exposición en la Sede Memoria de Madrid. En esta cautivadora serie fotográfica, que se despliega entre España y Panamá, el hogar —tradicionalmente visto como un espacio de subordinación— se transforma en un complejo campo de tensiones. Aquí, las jerarquías de género, clase y colonialidad se entrelazan de manera palpable.

Las composiciones, marcadas por su frontalidad, junto a una sobriedad formal, revelan gestos y miradas de una intensidad desbordante. Este enfoque desafía la narrativa habitual, ya que, lejos de perpetuar identidades subalternas, las mujeres retratadas reafirman su existencia y desplazan el eje de poder en representación. Cada imagen se convierte en un acto de resistencia y afirmación, desdibujando las fronteras de una realidad históricamente construida.

Exposición en el Ateneo de Madrid.

A mediados de los años 70, Arturo Pérez-Reverte se aventuró en la vasta extensión de las guerras, armado con su Olivetti Lettera 32 y un par de cámaras que colgaban de su cuello. En escenarios devastados como Oriente Medio, Angola, El Salvador y los Balcanes, el joven reportero descubrió que la guerra era muy diferente a las imágenes glorificadas que había tenido en su mente. Se trataba de una monotonía desgarradora, marcada por largos períodos de espera y momentos de brutalidad inesperada.

Por más de dos décadas, Pérez-Reverte caminó por este mundo, buscando entender no solo la guerra, sino el ser humano que luchaba por sobrevivir en ella. No se limitaba a documentar las balas y explosiones; su enfoque era el alma del hombre inmersa en la tempestad.

Ahora, una selección de esos negativos olvidados durante más de 35 años ha cobrado nueva vida en la primera exposición dedicada a su trabajo como fotorreportero. 

Del 14 de mayo al 28 de junio, el Espacio Cultural Serrería Belga en Madrid, alberga una exposición incluida en la Sección Oficial del festival de fotografía PHotoESPAÑA 2026. En ella, la artista Isabel Azkarate presenta un diálogo entre su archivo fotográfico y nuevas imágenes capturadas con un dispositivo móvil de última generación, el Xiaomi 17 Ultra, tejiendo así un puente entre pasado y presente desde su perspectiva como fotoperiodista.

Bajo el título Azkarate vs Azkarate, la muestra reúne la obra de Isabel Azkarate (San Sebastián, 1950), reconocida como la primera mujer fotoperiodista vasca. A través de un diálogo entre su legado histórico y su producción más reciente, la exposición traza un recorrido de más de cuatro décadas que evidencia la coherencia de una mirada guiada por la curiosidad y la observación de lo humano.

Exposición en el IVAM en Valencia. “Apoteosis Now”, las imágenes de Cristina de Middel se precipitan sobre el museo como una cascada imparable, una lluvia visual que la propia artista ha bautizado como “modo Catarata”. Ese término no solo alude al torrente incesante de fotografías que nos bombardea en la era digital, sino que también evoca la alteración ocular que nubla nuestra mirada y nos roba la claridad.

Cada serie se despliega como un pequeño tratado de iconografía, una novela visual o un sismógrafo que registra la constante manipulación de la realidad. Las obras pueden leerse como archivos de sueños o como testimonios de los obstáculos que impiden su materialización.

Se exhiben imágenes saturadas de hechos, intuiciones, mitos, incertidumbres, transformaciones, visiones, tótems y tabúes, sin una jerarquía aparente. Sin embargo, tras la aparente confusión se oculta un orden sutil, una intención clara de provocar un cambio en la fotografía. Ese sentido se manifiesta en el tratamiento del color y en el impacto visceral que ejerce sobre quien se deja arrastrar por su corriente.

Exposición en la Galería Blanca Berlín en Madrid. Los premios que aquí se celebran constituyen la cúspide del reconocimiento a quien, con su cámara, enriquece el patrimonio cultural de España. Cada galardonado, a su modo, abre una ventana única al mundo.

Carlos Pérez Siquier – un visionario cuyo afán de innovación rompe los límites de lo convencional, convirtiendo cada disparo en una propuesta futura.

Castro Prieto – maestro del desenfoque selectivo; su lúcida destreza convierte lo incierto en poesía visual.

Cristina García Rodero – sin abandonar el rigor documental, su obra se eleva a tesoro artístico y etnográfico, capturando la esencia de ritos y costumbres.

Cristóbal Hara – el renovador del género, que reinventa los códigos tradicionales con una mirada audaz.

Eugeni Forcano – desde una perspectiva distinta, ofrece una visión penetrante, sensible y apasionada, que trasciende la mera imagen.

Gabriel Cualladó – el primer fotógrafo en alzarse con el galardón, canaliza su obra con una profunda humanidad que conmueve al observador.

Isabel Muñoz – propone una fragmentación de la imagen, sensual y mística, dominando la noble técnica de la platinotipia.

Joan Colom – con su óptica personal del Raval, convierte la calle en un espejo notario de una época que ya no vuelve.

Ouka Leele – plantea una reflexión cromática que cuestiona y renueva la imagen, invitando al espectador a reinterpretar la realidad.

Rafael Sanz Lobato – autodidacta y virtuoso, sus gelatinas de plata relucen con una belleza casi alquímica.

Ramón Masats – referente del lenguaje intuitivo, su estilo despojado de artificios se erige como modelo para la profesión.

Toni Catany – con su calotipo, captura paisajes, naturalezas muertas y retratos con una intimidad que atraviesa el tiempo.

En conjunto, estos nombres trazan un viaje apasionante por la historia de la fotografía española, una reunión posible gracias al firme compromiso de la galería Blanca Berlín, que apuesta por poner en valor el arte fotográfico y fomentar el coleccionismo en nuestro país.

“Gaza, donde la vida resiste” se abre en el Museo Nacional Thyssen‑Bornemisna en Madrid, como una ventana silenciosa a la huella humana que persiste bajo el humo de la guerra. La exposición, gestada por la Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina (UNRWA), muestra los retratos íntimos de un fotógrafo gazatí del propio equipo de la agencia; su nombre se esconde tras el velo de la seguridad, reforzando la crudeza del entorno en que fueron capturadas estas imágenes y el peso de su testimonio visual.

Diez paneles, diez vidas: niños y niñas, mujeres y hombres, todos marcados por la reciente ofensiva israelí. Cada rostro se acompaña de objetos cotidianos —un juguete roto, una fotografía amarillenta, una taza gastada— que se convierten, bajo el lente compasivo del autor, en símbolos de resistencia y recuerdo. La composición une al sujeto y su pertenencia, dejando claro que, en medio de la devastación, lo cotidiano adquiere un valor extraordinario, convirtiéndose en testigo mudo de la supervivencia.